Éric Minh Cuong Castaing, chorégraphe et artiste visuel, fonde la compagnie Shōnen en 2007. Il est Artiste associé à Montpellier Danse et, avec sa compagnie, au Centre national de la création adaptée (CNCA) de Morlaix, à Bourges Capitale européenne de la culture 2028, et en compagnonnage avec la Comédie de Genève et la Collection Lambert à Avignon. Ses recherches chorégraphiques explorent des modes relationnels visant à déjouer les binarités entre réel et fiction, nature et culture, organique et artificiel. Il y met en jeu des corps et des écritures chorégraphiques dans leur pluralité esthétique et leur diversité politique, en associant des danseur·euses professionnel·les et/ou amateur·ices, dont certain·es en situation de handicap ou d’empêchement. Sa pratique articule la danse à l’image et/ou aux technologies contemporaines (robots de téléprésence, drones), dans le cadre de processus « in socius » développés avec des partenaires extérieurs au champ de l’art. Au sein de la compagnie Shōnen, il a porté une quinzaine d’œuvres — spectacles, performances, films et installations —, dont plusieurs en cocréation avec la dramaturge Marine Relinger et le chorégraphe Aloun Marchal, ainsi que Hiku (2023), avec la metteuse en scène Anne-Sophie Turion. Diplômé des Gobelins (Paris), il s’oriente vers la chorégraphie après avoir pratiqué le hip-hop, à Villepinte (93) où il a grandi, puis le butō japonais, auprès de Carlotta Ikeda et Gyohei Zaitsu et diverses techniques de danses contemporaines. 

Marine Relinger est cinéaste et dramaturge. Elle a filmé et réalisé Un corps à soi (2026), long métrage composant avec le geste et la pensée de la danseuse Elise Argaud, sélectionné pour sa Première mondiale au FIDMarseille, en juillet 2026. Elle prépare actuellement un second long métrage. Marine Relinger a cocréé plusieurs pièces de danse au sein de la compagnie Shonen : Phoenix (2018), avec le chorégraphe Eric Minh Cuong Castaing et des danseurs connectés en visio depuis la bande de Gaza ; puis une série de spectacles et de performances associant des interprètes aux capacités diverses, alternatives ou normées, créées avec Eric M.C.C. et Aloun Marchal (L’Âge d’or – 2018 ; Forme(s) de vie – 2021 ; Parc – 2022 ; Vision – 2026). Dans le cadre de ses travaux, Marine Relinger réfléchit aux dispositifs de regards sur les corps et aux fonctions des écritures scéniques et cinématographiques qui les concernent. Elle s’intéresse aux notions de relation, aux systèmes de violence et de collaboration, cherchant à déplier pour mieux les comprendre les enjeux de nos co-présences au sein des processus artistiques et leurs impacts sur les représentations.

Aloun Marchal est chorégraphe et performeur, formé au département chorégraphique de l’Université d’Amsterdam, la School for New Dance Development. Son travail invente, pour chaque création, un langage scénique singulier adapté à un contexte chorégraphique particulier suivant deux axes de recherche. Le premier explore les relations entre danse et musique, à travers des dispositifs où les interprètes produisent eux-mêmes la matière sonore en direct, tout en déployant des partitions chorégraphiques. Cette démarche irrigue Gerro, Minos and Him (2012), créée avec Simon Tanguy et Roger Sala Reyner, et Bibi Ha Bibi (2017), co-créée avec Henrique Furtado, toutes deux pensées comme des dispositifs acoustiques ; SonoR (2020), qui déploie un environnement amplifié ; et AVATARED (2023), fondée sur un travail de mixage en direct. En 2026, il prolonge cette recherche en créant une partition chorégraphique pour le Swedish Chamber Choir autour de Little Match Girl Passion de David Lang. Le second axe engage l’inclusion et la diversité des corps au plateau, dès Trippel (2015), créé pour la compagnie inclusive SPINN, puis dans les pièces collectives créées avec Eric Minh Cuong Castaing et Marine Relinger, portées par la compagnie Shonen : L’Âge d’Or (2018), Forme(s) de vie (2021) et _p/\rc___ (2022). Si Aloun Marchal choisit la danse, c’est parce que penser ne lui suffisait plus — la création chorégraphique devient un moyen de renouer avec une expérience directe du réel, au-delà des idées que l’on se fait des choses. De cette tension entre perception, fabrication du sens et possible vacance du sens naît une œuvre profondément attentive aux formes de présence, d’écoute et de relation.